Arteterapia: Otra manera de ayudar!

Es difícil creer que desde el arte exista alguna manera de ayudar a las personas porque pienso que vivimos en un mundo muy cerrado en donde la mayoría de las cosas nos parecen imposibles de lograr. Pero créanme que hay una infinidad de posibilidades de apoyar desde diferentes campos y en este caso yo me enfocare en la Arteterapia.
Está es una de las miles de formas que hay para ayudar a las personas, pero  se distingue de las otras psicoterapias porque utiliza las artes plásticas para abordar diferentes tipos de problemas que pueden abarcar desde la adicción ( alcohol, drogas) hasta una grave enfermedad.

-Para La asociación Británica de Arte Terapia: es una forma de psicoterapia que utiliza el arte como una primera forma de comunicación. Donde llegó a ser presidente Adrian Hill que fue el que inventó el término "terapia del arte", él era un artista que realizaba obras combinando el surrealismo con el impresionismo pero desgraciadamente en 1938 padeció de una gran enfermedad llamada tuberculosis, esto ocasionó que entrará en un sanatorio, así que decidió empezar a pintar para olvidarse de la tristeza, aburrimiento y dolor que se apoderaban de él, poco a poco se dio cuenta que gracias al arte se empezaba a recuperar emocionalmente, lo que le dio la idea de compartir con los otros enfermos lo curativo que el arte podía llegar a ser en esas circunstancias, así que los pacientes comenzaron a dibujar para liberarse de los miedos y emociones que tenían.

 Por otro lado se encuentra Margaret Naumburg que fue una psicóloga, educadora, artista y lo más importante una de las pioneras del Arteterapia, para ella esta práctica se basa en que cada persona tenga o no conocimientos acerca del arte pueda expresar sus problemas de manera visual. También apoyaba el psicoanálisis de Sigmund Freud ya que esto tenía mucho que ver con esta forma de expresión ya que a la hora de que los pacientes plasmaban sus sentimientos para ella lo hacían desde el inconsciente.
"El proceso del arte terapia está basado en el reconocimiento de que los pensamientos y sentimientos más profundos del hombre, procedentes del inconsciente, consiguen su expresión en imágenes mejor que en palabras." Margaret Naumburg

Para Tessa Dalley  "Simbolizar sentimientos y experiencias a través de imágenes puede constituir un medio de expresión y de comunicación mas poderoso que la descripción verbal, y al mismo tiempo, es capaz de hacer que tales sentimientos y experiencias se vuelvan menos amenazadores". 

Lo que Dalley quiere decir es que  existe una dificultad muy grande al momento en que las personas HABLAN de sus problemas es por eso que ella cree que manifestar los sentimientos de manera artística es algo más valioso y donde se pueden enfrentar de una manera más "suave" los problemas.

Ahora quisiera compartirles algunos ejemplos donde se muestra que esta práctica sirve para afrontar diversas situaciones como:

- El holocausto judío en donde personas que pasaron por este sufrimiento pudieron expresar la traumática vivencia a través de imágenes plásticas donde podemos darnos cuenta todo lo que una imagen puede comunicarnos con tan solo observarla.

- También en cuestiones de enfermedad podemos darnos cuenta como las personas empiezan a generar procesos creativos, un ejemplo claro de esto es el de Frida Kahlo al pintar "la columna rota" después de haber tenido un accidente ella empieza a pintar y después se da cuenta que el arte ya es parte de su vida ya que de algún modo la acompaño en sus momentos de sufrimiento.

"En los grandes artistas, la pasión por crear genera una fuerza de voluntad lo suficientemente poderosa como para vencer la peor enfermedad". Sandblom

 

La invención del arte!

ANTES DE LA DISTINCIÓN ENTRE BELLAS ARTES Y ARTESANÍA

Claro que muchas de las ideas o prácticas del pasado son muy parecidas a las de hoy en día relacionadas con las bellas artes, pero cometeríamos un gran error al decir que se tenía el mismo punto de vista y decir que las ideas modernas acerca del arte siempre estuvieron presentes. En la antigüedad tenían diferentes formas para concebir el arte, los cuales fueron transformándose conforme pasaba el tiempo y las sociedades empezaban a tener otro tipo de ideales.

Durante muchos años la cultura occidental careció de un concepto para denominar al arte y por este mismo motivo no existían los artesanos y artistas más bien se les llamaba artesano/artista, no había una separación ya que para ellos no existía ninguna diferencia de hacer una mesa de madera y hacer una escultura. Se vio al artesano/artista como un hacedor no como alguien que creaba cosas y es por esto que los poemas, las obras musicales, las pinturas se realizaban con un propósito específico, no como objetos hechos para observar como en la actualidad, así que no había una distinción entre arte
 y artesanía, en la antigüedad solo eran llamadas "artes". 

Ya que para los griegos no existía tal concepto (arte) ellos la llamaron techné y los romanos ars, eran palabras muy complejas ya que estaban conformadas por pinturas o esculturas pero también de objetos artesanales, así que su idea era más parecida a lo que nosotros en la actualidad denominamos OFICIO y no tenían nuestras ideas modernas de independencia y originalidad. Aunque en el texto se menciona que filósofos e historiadores afirmaban que los griegos y romanos tenían un concepto semejante al nuestro pero carecían de una palabra para nombrarlo. En general la sociedad griega no consideraba que la pintura, escultura, la música, la poesía etc. fueran únicas y se encontraran en un nivel más elevado que los artesanos por ejemplo.

"Eric Havelock llegó a la conclusión de que desafían el hecho de que ni arte ni artista tal como hoy usamos esas palabras son traducibles al griego arcaico o clásico." Larry Shiner

Pasaba lo mismo con la música y la  literatura, esta ultima se empleaba para hacer referencia a un cuerpo de escritos pero la palabra como la conocemos nosotros no era conocida en el mundo antiguo, los más parecido a nuestra idea de literatura era la poesía donde es importante mencionar que esta era considerada con un nivel mas alto a las otras artes y por esto es que las ideas en cuanto a la poesía eran las mas parecidas a las que tenemos ahora.

existía una clasificación de las artes:
- Artes liberales: estas eran las intelectuales apropiadas para las personas con clase.
- Artes vulgares: se caracterizaban por el trabajo físico y el pago.

"Si regresamos a la poesía se decía que no era una producción racional sino el resultado de un momento una inspiración irracional, esto muestra que los griegos establecían una distinción entre el arte del genio inspirado y el mero oficio." Larry Shiner
De hecho los artesanos/artistas en ese tiempo no tenían la completa libertad de expresar su estilo y  lo que sentían artísticamente.
Ahora se preguntaran si la parte de la belleza en el arte era la misma que ahora, pues de hecho también habían muchas diferencias, primero porque a lo que nosotros conocemos como arte griego o romano en arte antiguo lo asociaban a contextos sociales, políticos y religiosos.
"Los griegos y romanos apreciaban las esculturas o los recitales de poesía como admiraban los discursos políticos cuando estaban bien compuestos." Larry Shiner, esto es una gran ejemplo de que para ellos no era importante la concepción estética, para ellos el arte servía para diferentes funciones.
también se menciona que las artes principalmente la poesía, el arte visual y la estética cumplían una función ética, es decir, que consideraban que la belleza se aplicaba al pensamiento, carácter, costumbres y sistemas políticos. Era considerada como lo moralmente bueno.

Para finalizar, en la antigüedad aunque tuvieran en frente una obra de arte simplemente no sabían apreciarla ya que consideraban que no era algo que estaba por encima de otras prácticas.

Larry Shiner, la invención del arte: Una historial Cultural

Pequeña introducción!

La idea de la palabra arte ha cambiado rotundamente conforme pasan los años, se han dado cuenta que actualmente a casi cualquier cosa la etiquetamos como "arte", lo que pasa es que nuestra  visión se ha ampliado y ahora ya tenemos la libertad de expresar de manera artística lo que sentimos  utilizando cualquier tipo de técnica.  Pero yo en lo personal tengo muchas dudas acerca de como es que surgieron los artistas, los museos y más que nada la palabra arte. No pensaran que en la antigüedad se tenían las mismas ideas que ahora ¿verdad?

Para esto quiero compartirles algo que mencionó Larry Shiner en su texto que pienso que tiene mucho que ver con lo que voy a estar hablando en mis nuevas entradas:
"El moderno sistema del arte no es una esencia o un destino sino algo que nosotros mismos hemos hecho".

Decidí elegir el tema de la invención del arte de Shiner ya que  nos cuenta las diferentes etapas por las que paso el arte para llegar a como lo conocemos ahora  y en donde muchos artistas no fueron reconocidos y valorados con el trabajo que realizaban por el mismo motivo de que se tenía una idea totalmente distinta. Dicho esto pienso que es de suma importancia decirles que a las pinturas que ahora nosotros vemos en los museos, enmarcadas y colgadas en las paredes como objetos sublimes, antes no tenían ese valor ya que en ese tiempo no fueron hechas para ser admiradas, es decir, tenían un propósito y se colocaban en lugares específicos como un objeto decorativo que cualquier persona podía colocar en alguna parte de su casa. Esto es un claro ejemplo de que en la antigüedad no se compartía la misma idea con la que nosotros crecimos.

NEOMEXICANISMO

Quise abordar este tema para explicar de una mejor manera el tipo de corriente a la que esta asociado José Antonio Álvarez Morán, como ya había explicado  anteriormente el profesor realiza obras basándose principalmente en situaciones que tienen que ver con la religión y la cultura de nuestro país y de eso es de lo que se trata el "neomexicanismo"  pero para que entiendan mejor de lo que se trata esta corriente quiero que lean como es que surgió y quienes fueron los artistas más sobresalientes.

Bueno el término neomexicanismo surgió en los ochentas y  fue creado por la crítica e historiadora del arte Teresa del Conde  para nombrar a algunos artistas que expusieron en el museo de arte moderno con obras relacionadas a la cultura del país, pero antes de que esta mujer le colocará este nombre no existía un concepto definido de esta corriente. Se mostraron una cantidad enorme de obras de Julio Galán (realizo pinturas muy llamativas "Me quiero morir y pensando en ti"), Magali Lara (naturaleza en constante cambio), Nahum B. Zenil (sus pinturas eran una combinación de lo religioso con la homosexualidad)  entre otros, donde es importante mencionar que muchos  de estos artistas no pertenecieron desde el principio al neomexicanismo, ya que al iniciar con sus proyectos artísticos representaban sus obras con un estilo diferente a esta corriente. La exposición fue muy compleja ya que estuvo conformada por pinturas, esculturas, videos, fotografías de los artistas ya mencionados.

"El neomexicanismo se apropió de diversos elementos de identidad, rescató la iconografía patria, religiosa, popular, costumbrista, urbana y rural de la historia de nuestro país: imágenes y clichés provenientes del pasado que recontextualizó en discursos plenamente contemporáneos. Se sirvió de la hibridación, el pastiche y el reciclaje, para crear una estética kitsch; recurrió al humor, la ironía, la irreverencia, la parodia y la sátira, con el fin de cuestionar la Historia, el poder, el sistema político mexicano y la cultura oficial". http://confabulario.eluniversal.com.mx/mas-alla-del-neomexicanismo/

            LOS ARTISTAS MÁS POLÉMICOS Y DESTACADOS EN ESTA CORRIENTE





Francisco Toledo: es un artista mexicano que ha trabajado con diferentes materiales como acuarela, óleo, fresco etc. para realizar sus obras, siempre ha defendido el patrimonio artístico de su país (Oaxaca).  





Graciela Iturbide: es una mujer mexicana que estudió para ser directora de cine y muy pronto se comenzó a interesar en el arte, después le empezaron a salir muchas oportunidades para documentar varios pueblos indígenas.

ENTREVISTA A UN EXPERTO:

1.¿Cuál es su nombre?
José Antonio Álvarez Morán

2.¿Qué estudió? y ¿En dónde?
Licenciatura en Artes Gráficas y Diseño en la UDLAP y maestría en Pintura en Texas Christian University.

3.¿Cómo es que decidió estudiar esa carrera?
Por mi interés en el arte.

4.¿Qué es lo que más le apasiona de su carrera?
Emprender nuevos proyectos y observar los resultados.

5. Si tuviera que definirse en una sola palabra ¿Cuál sería? y ¿Por qué?
Tenacidad. Siempre estoy trabajando en algo y cuando lo termino empiezo otra cosa.

6. Mencione algunos de los logros que considera los más importantes en su vida:
En mi vida personal: mis hijos. Profesionalmente: mi trabajo académico en la UDLAP, los murales de "El mural de los poblanos" y del "Real de Naturales".

7. ¿Para usted que es el "arte"?
Una manera de entender la vida.

8. ¿Cuál es el artista (pintor/escultor) que más admira? ¿Por qué?
Pablo Picasso, por su prolífica e incansable creatividad.

9. ¿Qué les aconsejaría a los jóvenes que quieren estudiar algo relacionado con el arte?
Que dediquen su vida a ello, las 24 horas del día.

10. ¿Cómo es que llego a trabajar en la UDLAP?
Al regresar de una larga estancia en los Estados Unidos, siendo ex alumno de la universidad, fui invitado a colaborar por el entonces rector y uno de mis antiguos profesores.

11.¿Qué es lo que más le agrada de la universidad?
El ambiente de libertad que se respira, la variedad de sus estudiantes y el lugar en que está ubicada.

Le realice una entrevista a una persona que considero muy importante en el ámbito artístico. Es el profesor de Artes Plásticas José Antonio Álvarez Morán  que ha sido mi maestro desde que entre a la Universidad y aunque fue hace poco tiempo ha sido una de las personas que me ha enseñado mucho acerca de mi carrera y gracias a esto he aprendido a ver el arte con otra perspectiva.





Las obras que realiza se caracterizan principalmente por unir elementos del Catolicismo con nuestra época, a principios de este siglo enfocó su trabajo en los Santos niños.

 

Después se enfocó en "las monjas coronadas" que también estaban basadas en el catolicismo, hizo reinterpretaciones, es decir, le dio su propio estilo a monjas de las que él ya tenían un conocimiento previo.

Es una persona que ha hecho muchos trabajos interesantes para decorar lugares frecuentados por personas que viven en Puebla. Uno muy conocido se encuentra en el restaurante "el mural de los poblanos".

También realizó otro mural que se encuentra en "el hotel real de naturales" que esta basado en fiestas populares que se realizan en Cholula.

Primeros Tesoros!

Algunas personas consideran la palabra "arte" como un concepto simple, es decir, algo sin chiste, pero más sin en cambio para otras esta misma palabra puede tener una infinidad de significados y puede ser aplicada para diversas funciones. ¿Pero se preguntarán porque estoy mencionando esto?, por el hecho de que al colocar esta palabra de tan solo 4 letras en distintas medios informativos pude encontrar una cantidad inmensa de conocimientos que se pueden adquirir acerca del arte.

Las que más llamaron mi atención fueron las siguientes:


- "Laboratorios Giacometti" está es una notica que encontré en el periódico el mundo donde nos habla de la trayectoria del artista Alberto Giacometti, es un hombre muy interesante ya que nos mostró una manera diferente de ver el "arte". Comenzó realizando obras con su propio estilo y originalidad y eso ayudó a que sobresaliera en el campo del arte, porque en mi opinión si generas nuevas ideas, las pones en práctica y las compartes con el mundo puede haber una gran posibilidad de que las personas admiren tus ideas. Sus primeros trabajos los expuso en la Fundación Canal de Madrid, realizaba esculturas de figuras humanas pero agregándole su toque especial ya que las hace muy alargadas, delgadas y con enormes pies y también realiza dibujos de rostros que muchas personas pueden considerar como "rayones" pero si ves más allá puedes darte cuenta que tiene un gran talento como artista.



- "Maestro del arte abstracto":  Me llamo mucho la atención esta noticia que encontré en el periódico el país, habla de Antoni Tápies un artista español que creció en el mundo del arte gracias a que tenia una forma diferente de ver y plasmar sus pensamientos, fue uno de los artistas que más destacados en el siglo XX y gran parte de sus obras fueron expuestas en museos prestigiosos y ahora se conservan en la fundación Antoni Tápies, era un hombre que utilizaba distintas técnicas y objetos para realizar sus dibujos y esculturas y esto lo ayudó a sobresalir en ese tiempo ya que ese tipo de arte no era del todo aceptado y conocido en la sociedad. Para mi es un ejemplo a seguir porque se aferro a las ideas que tenía y siguió el arte que él mismo había creado. Y así como recibió la aprobación de mucha gente también recibió críticas ya que su arte era abstracto y por lo tanto era difícil de entender. Aunque yo pienso que si no te gustan las obras de algún artista significa que él/ella sean "malos" simplemente que no compartes sus mismos pensamientos.

- También quería compartirles un vídeo que encontré que me pareció muy interesante porque es de un artista que aunque no sea alguien conocido alrededor de todo el mundo tiene un gran talento y lo más importante mucha pasión en lo que hace, pude darme cuenta que no necesitas ser alguien reconocido por la sociedad para ser grande en lo que te hace feliz porque si te lo propones puedes lograr grandes cosas.

                                        "EL MEJOR ARTE ES EL DE LOS ANÓNIMOS"